Artist CV
Moshé Elimelech
SELECTED SOLO EXHIBITIONS
2014 – Gallery Sesom, Changwon, Korea
2012 – LA Artcore Gallery, “Arrangements”
2012 – L2Kontemporary, “Geometric Geographics”
2008 – Gallery 825, Los Angeles, CA “Reflections”, installation
2007 – L2Kontemporary, Los Angeles, CA
2002 – The Gallery, Los Angeles, California
2002 – Sylvia White Gallery-Los Angeles, CA
1998 – Hakikar Gallery, Jafa, Israel
SELECTED GROUP EXHIBITIONS
2011 – Art Gate Gallery, “Summer Kaleidoscope”, New York, NY
2010 – Korean Cultural Center, Los Angeles, CA
2010 – Gallery 825, Los Angeles, CA
2010 – Gothelf Art Gallery, “From Desert to Desert”, La Jolla, CA
2009 – Los Angeles Municipal Art Gallery, “From There to Here”, Los Angeles, CA
2007 – Adamar Fine arts, Miami Florida
2007 – Gallery 825, Los Angeles, CA
2006 – Gallery 33, Long Beach, CA
2006 – Gallery 825, ““Summer Kaleidoscope”, Los Angeles, CA
2005 – Don O’Melveny Gallery, Los Angeles, CA
2005 – Gallery C, “Touch Me”, Hermosa Beach, CA -
2004 – Keller&Greene Gallery, Los Angeles, CA
2003 – Don O’Melveny Gallery, Los Angeles, CA
2002 – Don O’Melveny Gallery, Los Angeles, CA
2002 – The Gallery, Los Angeles, California
2002 – City of Brea Gallery, Brea, CA
2002 – Soapbox Gallery, Venice, CA
2001 – Sylvia White Gallery-Los Angeles, CA
About Artist
The Play of Logic, The Logic of Play
By Peter
Frank
Geometricism is
probably the least well-understood idiom in modern and
contemporary art. Viewers assume that it is ruled by logic, if not by
mathematics, and is thus devoid of human feeling, absent of
humor, and resistant to the involvement of spectators.
Nothing, however, could be further from the truth.
Artists reliant on a geometric formal language
have produced some of the wittiest
and most genial, even endearing art of our time. Indeed, most artists who employ
vocabularies of simplified shapes exploit the very simplicity of those shapes – and accompanying colorful palette – as a means of allowing ready visual
comprehension, while playing cleverly against the supposed austerity of the
geometric forms they use. The humor is as much architectural, or even musical, as
it is purely visual. In any case, it is widespread, thoroughgoing, and very
charming – but not at
all superficial.
This in a
nutshell describes Moshe Elimelech’s oeuvre. A designer by trade and in spirit,
Elimelech is driven by visual and structural imagination (although his work
engages a remarkable amount of personal expression, evident most readily but not
exclusively, in his watercolors). His paintings – which dramatically engage
certain sculptural qualities – are, if anything, toys, devices to share play with his
audience. Elimelech’s installations extend the principles of his paintings into the
realm of spectacle. And his flat works – watercolors in particular – remain suspended
between the seen world and the imagined, drawing in the eye by bridging
idiosyncratic conditions of pure structure and observed reality.
A sense of
elegance suffuses throughout Elimelech’s work, to be sure, a
unifying earmark of
his sensibility; but this elegance is a given, not a goal, a tool towards elucidating
his broader purpose. It almost serves as a “secret identity,” the cool clarity of
a painting masking the sense – indeed, the guiding principle – of play that reveals
itself on closer inspection. His installations, with their reliance on reflection
and their goal of at-least partial spectator disorientation, make more evident
Elimelech’s devotion to the ludic, but their minimalist aspects
also assure
a certain initial
distance between them and the viewer. Even the watercolors, rendered in a medium
whose gentle colors and silky texture (not to mention the sensuousness of their
paper) Elimelech fully exploits, do not reach out to us with any great extravagance.
Small, quietly rendered, and dependent on patterns of striation that are as
rigorous as they are rhythmic, the watercolors’ seduction of the viewer’s eye is no less gradual
than the other, larger works’. Nothing is as rigid or minimal or
decorative as it first seems – not nearly.
Astute viewers will
observe that, for all the brittle modernity that apparently attends to Elimelech’s work, he is in fact
something of a traditionalist. The “modernity” he practices is rooted not in latter-day stylistic indulgences, but
in the integral concepts
of design we associate with a modernity older than we are. He upholds and
re-energizes the classic modern tradition – making
him, if
anything, a “neo-modernist.” His lucid, elemental sense of form and composition hark back a good
century, but in practice it roots itself more in the concepts and structures
prevalent in the late 1950s and ‘60s, notably those associated with Op and Kinetic
Art. Also mindful of hard-edge painting and Minimalism, Elimelech pares away
the elaborateness of so much Op and Kinetic work,
focusing instead on its
basic structural clarity. He thus seeks to surprise rather than to bedazzle.
Elimelech also draws on the ready, rather than spectacular, involvement of the audience
in the process of discovery and play into which Op and Kinetic Art
characteristically brings us. His installations, for instance, rely on no optical
tricks, at least none we don’t or can’t anticipate; rather,
they elaborate on easily
comprehended visual anomalies, elemental enough in their arrangement to explain
themselves to anyone while still delighting everyone’s eye. There is magic to
these artworks, to be sure; but Elimelech the magician relies on the
compliance and even assistance of his audience – and
assures it with his uncluttered style.
Only the watercolors
rely on a “magic” for which the viewer does not share such responsibility.
Even in the most minimal of the works on paper, Elimelech’s handwork is pictorial
rather than purely constructive. In the watercolors he presents us with visual
information notably more varied and detailed than in his paintings or
installations – refined and even
restrained information, to be sure, but interpretive and
whimsical in their reliance on imagery rather than logical and structured. The
spectators’ role here is physically more passive than it is in the paintings – the arrangement of whose elements we manually determine – or the installations – whose effects on us change (profoundly) depending on where and how we position
ourselves. The watercolors present us with the familiar, non-relational
condition of traditional pictoriality. But all art is relational; the circumstances of any
artwork affect us variously, depending on who we are and how we approach it.
As Duchamp insisted, the viewer completes the work of art. In his other
work Elimelech makes this matter eminently apparent, even (with the viewer’s physical engagement) the
heart of the matter; in the watercolors the viewer’s vantage is imagined into
the images themselves, reflected in Elimelech’s own delicate fantasies.
If the watercolors are
built up of fixed elements, safe, as it were, from the intervention of their audience, the
paintings’ mutability is echoed and even magnified by their immutable
factors: the shapes and colors with which Elimelech has invested them. No
matter how stolid or symmetrical their array, those shapes and colors are vibrant
and active – vibrant and active,
that is, in a manner that does not depend on
our intervention, but plays off it even while benefiting from it. When we
rearrange the elements in an Elimelech painting-structure, we are engaged with a
visual presence as active as we are; having projected his visual spirit into
the structure, Elimelech invites us to do the same, and thus propagates the game through more than just its rules. It
may be his game, but everyone
wins. It’s thus appropriate to call these paintings “arrangements,” underscoring
the conditionality of their appearance: dependent on the active handling of
many people, not just one, their abiding arrangeability is as important as is their
arrangement at any given time.
The
installations propose the most unstable of all Elimelech’s
circumstances, one in
which, at least within their boundaries, there is no fixity whatsoever.
They do not
build upon or even imply chaos, but they do rely on continual fluid
variation. The compositional principle at work here is not ludic so much as
choreographic, its fixed elements functioning not as formative ingredients but
de-formative ingredients amidst which the main formative ingredient – you – loses and re-finds itself.
The three
realms of Moshe Elimelech’s current artistic investigation, then,
distinguish themselves
one from another not simply in their shape and function, but in their
sense and meaning. They are philosophically as well as experientially diverse.
The continuity they display between one another is a continuity of sensibility,
a neo-modernist sense of design and play – not just playful design, or even
playful modernism, but playful perception, a spirit that values active
engagement, hands-on or
no, even as it relies on and champions geometry, structure and logic.
Elimelech may draw a hard line, but he does so with a wink.
Los
Angeles, August 2011
논리의 오락, 오락의
논리
피터 프랭크(Peter
Frank)
기하주의(geometricism)는
현대미술에서 널리 알려지지 않은 관용어 중 하나이다. 관람객은 이것이 수학이 아니면 논리에 의해 결정되고
인간의 감정이나 해학, 더 나아가 관중들의 개입은 배제되어있을 것이라고 추측한다. 그러나, 이것은 전혀 사실이 아니다.
기하학의 형식용어에 의존하는 화가들은 이 시대의 재치 있고, 무엇보다 따뜻하고, 정답기까지 한 작품들을 만들어냈다. 실제로, 단순화된 언어를 사용하는 화가들은 그 단순함과 다양한 색의
팔레트를 이용하여 시각적인 이해를 도와주는 반면 예상된 간소한 기하학적 형태에 영리하게 맞선다. 여기서의
유머는 건축과 음악에서만큼 순전히 시각적이다. 어떤 경우에서든, 이것은
널리 퍼져있고 철저하며 매우 매력적이지만, 전혀 표면에 들어나 있지 않다.
이것은 아주 간단명료하게 모셰 엘리메릭(Moshe Elimelech)의 전작을 설명한다. 엘리메릭은 (비록 대부분의 수채화에서 그의 작업은 상당한 개인적 표현이 관여되어 있지만) 전문
디자이너였던 직업관으로든 마음속으로든 시각적이고 구조적인 상상에 사로잡혀있다. 특정한 조각적 요소들을
극적으로 이용하는 그의 페인팅작업들은 관중들이 함께 즐길 수 있는 장난감이며 매체이다. 엘리메릭의 설치물들은
그의 그림의 원리를 보다 넓혀, 웅장한 광경의 영역으로 확장시킨다. 그리고
그의 평면작업, 특히 그의 수채화 작품들은 현실과 공상의 사이에 자리잡고 있고, 기이한 상태의 순수구조와 관찰된 실태를 연결시켜 관심을 집중시킨다.
엘리메릭의 작품에는 우아한 감각이 퍼져있는데, 정확히
말하자면 그의 감수성의 통합된 특징이다. 하지만 이 우아함은 계획된 것이 아니라, 자연스럽게 나타난 그의 폭넓은 목적을 설명하기 위한 도구이다. 이것은
거의 “비밀스러운 정체” 로서 사용되는데 차갑고도 명료하게
감각들을 숨긴다. 확실히, 이것은 정밀히 검토했을 때만 존재를
드러내는 지침원칙이다. 반사성질과 적어도 몇몇의 관중의 방향감각상실을 목표로 한 엘리메릭의 구조물들은
그의 오락성에 대한 몰두를 증명하지만 그것들의 미니멀리스트적인 단순한 면모는 구조물과 관람객의 일정한 거리가 존재함을 보여준다. 수채화작품들에서도 순한 색감과 비단 같은 질감, 더 나아가 종이의
감각성을 표현해 작가는 화려함을 충분히 이용하면서도 우리에게 과도한 화려함을 건네지는 않는다. 작고
섬세히 만들어진, 율동적인 만큼 철저한 줄무늬 패턴으로 이루어진 그의 수채화는, 다른 거대한 작품들에 맞서 더 빠르게 관중의 눈길을 유혹한다. 그
어떠한 것도 처음 접했을 때 이만큼 규칙적이거나, 단순하거나, 화려하지
않다.
엘리메릭의 작품에 기여하는 현대적 요소가 몇 안 되는 것을 보면 재빠른 관람객들은 사실 그는 전통주의자라는 것을 발견할 수 있을 것이다. 그가 실천하는 근대성은 현대식 사치의 양식에 기초하여있지 않고 우리보다 오래된 근대성에 기반한 디자인의 필수적
개념에 관련돼있다. 그는 일류의 근대 전통을 유지하고 재활성화하여 ‘신근대주의자’로 거듭난다. 그의 명랑하고 광포한 감각의 형태와 구성은 몇 세기
전을 상기시키지만 실제로는 옵아트와 키네틱아트가 연관된 1950년대 후기에서 1960년대에 널리 퍼진 개념과 구조에 근원한다. 또한 엘리메릭은 하드에지와
미니멀리즘 장르에 유념하여, 옵아트와 키네틱아트의 섬세함을 벗고 명확성의 기본구조에 초점을 맞춘다. 고로 그는 관중을 현혹시키기 보다는 놀라움을 추구한다는 것을 알 수 있다. 엘리메릭은
화려함이 아닌 즉각성에 기반하여, 발견의 과정이나 옵아트와 키네틱아트가 특징적으로 가져오는 오락에 대한
관중의 개입에 의지한다. 예를 들자면, 그의 설치작품들은
시각적인 속임수에 의지하지 않고 쉽게 이해할 수 있는 시각의 변칙이나 누구나 설명할 수 있는 기초적인 배치에 중점을 두어 모두의 눈을 즐겁게 한다. 그의 작품들에는 확실히 마력이 있다. 하지만 엘리메릭의 깔끔한 스타일에서
보여지듯이, 그는 관중을 따르고 돕는 마술사이다.
관중들은 오직 그의 수채화에서만 그의 마술에 영향을 받지 않는다. 가장 작은 종이작업에서도 엘리메릭의 수공은 순전히 건설적이기 보다는 회화적이다. 그의 수채화 작업에서는 페인팅이나 설치물보다 다양하고 세부적인 시각 정보를 제공한다-이는, 정제되고 절제되어 있는 반면 논리와 구조보다는 형상에 중점을
맞추어 해석적이고 기발한 정보를 제시한다. 여기서 관중의 역할은 우리가 배치의 요소를 수동으로 결정하는
페인팅작품이나 우리가 위치를 어디로 어떻게 바꾸는지에 따른 변화가 영향을 미치는 구조물에서보다 신체적으로 수동적이다. 그의 수채화작품들은 전통적인 회화성의 친밀함과 비관계성을 보여준다. 그러나
사실 모든 미술은 상관관계에 있다; 어떠한 예술품의 상태도 우리가 누구고 어떻게 접근하는지에 따라 우리에게
다양한 영향을 준다. 뒤샹이 주장했듯이, 예술작품을 완성시키는
것은 관중이다. 엘리메릭의 다른 작품에서 그는 이것을 핵심인 관중의 신체적 참여에서도 탁월이 분명하게
나타내는데 수채화에서는 엘리메릭의 섬세한 공상이 반영되어 관중의 유세가 이미지의 한 부분이 된다.
만약 수채화작품들이 고정요소로 이루어져있다면, 그것은 관중의 개입으로부터 안전하며, 작품의 변이성은 불변의 요소; 그의 모양과 색에 의해 퍼지고 확대된다. 배열이 불규칙하든 대칭적이든, 이 모양과 색들은 생기가 넘치고 활기찬데, 이것은 관람객의 개입에
좌우되지 않거나 그것의 영향을 받았어도 넘길 수 있는 생기와 활력을 말한다. 우리가 그의 작품의 요소를
재배치할 때, 우리는 우리만큼 생기 넘치는 시각적 존재와 마주한다; 그의
시각적 영혼을 구조에 대입시키고 나면, 엘리메릭은 관중들에게 동일한 활동을 권하며 본래의 규칙보다 더
많은 오락을 전파시킨다. 그 오락은 비록 엘리메릭의 것이라도 결국은 모두가 이긴다. 고로 그의 작품들은 ‘배치’라
불리는 게 적합하며, 외관의 조건부를 강조한다: 많은 사람의
활동적인 처리에 의존되며, 하나가 아닌 그들의 지속적인 배치는 한 순간의 배치만큼이나 중요하다.
설치물들은 엘리메릭의 모든 정황에서 가장 불안정한 환경을 제시하는데, 그 중 하나는, 적어도 그 경계 안에서 불변하는 것이라곤 없다는
것이다. 그것들은 혼란 위에 만들어지거나 혼란을 암시하지는 것은 아니지만, 지속적인 유동의 변화에 의존한다. 이 작품에서의 구성원리는 안무에서만큼이나
유희가 포함되어있지는 않지만, 이것의 고정요소는 형성하는 성분보다는 변형시키는 성분 속에서, 가장 중요한 형성하는 성분인 관중이 그들을 잃고 다시 찾는 것이다.
모셰 엘리메릭의 현재 예술적 연구 중 세가지 영역들과, 그들의 모양이나 기능뿐만이 아닌 감각이나 뜻에서 구별된 것들은 철학적으로, 또한
경험적으로 다양하다. 그것들이 제시하는 공통된 요소는 감각의 지속성인데, 단지 흥미로운 디자인이나 현대적 사상이 아닌 흥미로운 관점, 활동적인
개입을 중시하는 정신, 직접 해보든 않든 기하학, 구조, 그리고 논리에 의존하는 신현대주의자의 디자인과 오락에 대한 감각이다. 엘리메릭이
엄격히 선을 그을지라도, 그는 관중에게 눈짓하고 있다.
